Cabaret der alten Neuigkeiten

Die Wahl der Lehr-Lernmethoden folgte einer Reihe pädagogischer Prämissen:

1. Augenhöhe: Das übergeordnete Ziel bei der Wahl der Methoden ist es, Augenhöhe zwischen Studierenden, Forscher*innen, professionelle Künstler*innen und Schüler*innen herzustellen. Sie schafft die Grundlage, dass alle Beteiligten Kompetenzen erwerben und einbringen können und das künstlerisch-wissenschaftliche Potenzial der Gruppe ausgeschöpft wird. Ziel ist also kein linearer Vermittlungsprozess von Lehrenden an Studierende und weiter an Schüler*innen, sondern bestenfalls ein befruchtender Dialog zwischen allen Beteiligten. So entwickelt beispielsweise eine Tanzstudentin eine Choreographie, die der Regisseur (von der Musik kommend) so nie hätte entwerfen können und die Schüler*innen entwickeln Ideen für Social Media Content für ihre Peergroup. Diese Grundhaltung beeinflusst in hohem Maße die Wahl der Lehr-Lernmethoden: So kommen kollaborative Tools wie ein MIRO-Board (digitales Whiteboard) zum Einsatz, in dem laufend Ideen und historische Quellen gesammelt werden können (https://miro.com/app/board/uXjVPI5MErM=/?share_link_id=92554239732). Auch Anleihen aus dem Design-Thinking werden nutzbar gemacht, ebenso wie Rollenspiele zur Kreativarbeit. Aber auch für klassische Wissensvermittlungsformate wie Vorlesungen ist Raum, wenn sie sinnvoll sind. Das Rollengefüge in der Gruppe ist somit durchlässig und lädt auch Seminarteilnehmer*innen ein, in die Rolle der Lehrenden/Forschenden zu schlüpfen.
2. Raus aus dem geschützten Rahmen: Die Lehrveranstaltung ist kein Planspiel, an deren Ende eine Prüfung oder Hausarbeit steht, sondern sie zielt auf ein reales künstlerisches Ergebnis mit realem Publikum ab. Mehr noch, durch die Wahl eines renommierten Veranstaltungsorts werden die Studierenden motiviert, Höchstleistungen zu bringen. Diese Setzung schafft ein völlig anderes Lernsetting: es wird nicht mit fiktiven Budgets, Aufgaben oder Zielgruppen hantiert, sondern die Studierenden erfahren in der Realität, welche Ideen aufgehen und welche in der Praxis scheitern. Den Teilnehmer*innen wird ein sehr hohes Einstiegvertrauen entgegengebracht, was sie motiviert, auf den Punkt hochwertige Ergebnisse zu liefern. Selbstverständlich wird der Prozess dennoch engmaschig durch die Lehrende und das künstlerische Team betreut, sodass eine sichere und angstfreie Lernatmosphäre herrscht. Dennoch ist es ein Sprung ins kalte Wasser, der den Lerneffekt deutlich verstärkt. Er vermittelt den Studierenden die Grundhaltung, dass man auch im späteren Berufsleben suchend und lernend bleibt – zugleich aber auch im Studium schon auf hohem Niveau künstlerisch-vermittelnd wirken kann.
3. Arbeit im Kollektiv: Im Projekt sind vielfältige, sehr unterschiedliche Aufgaben zu erfüllen. Anders als in klassischen Lehrveranstaltungen, in denen oft alle Studierende die gleiche Leistung erbringen müssen, um ECTS zu erhalten, muss sich hier die Gruppe selbst organisieren und die Aufgaben kompetenzorientiert verteilen: Wer ist stark in der Kommunikation und kann das Kick-Off mit den Schüler*innen moderieren? Wer liest leicht Frakturschrift und wühlt sich durch die historischen Zeitungen? Wer hat Erfahrung in der Workshopgestaltung und plant Warm-ups und Gruppenarbeiten? Auch hier zielt der pädagogische Ansatz wieder auf eine Ermächtigung der Studierenden ab, ihre eigenen Potenziale einzuschätzen und zu nutzen. Besonders in der freien Szene, die für viele Studierende später den beruflichen Rahmen bieten wird, sind solche Arbeitsformen weit verbreitet, sodass ein Kompetenzerwerb hier sehr hilfreich ist.
4. Interdisziplinarität als Schlüssel: Der Studiengang MAE ist im Kern interdisziplinär angelegt. Die beteiligten Studierenden kommen aus den Bereichen Klassik und Jazz, Tanz, Performance Art und musikalisches Unterhaltungstheater. Auch die individuellen Schwerpunkte sind heterogen: Während einige sich stark auf den Vermittlungsbereich fokussieren, sind andere vor allem auf der Bühne aktiv, wieder andere fassen eine wissenschaftliche Karriere ins Auge. Das Projekt versucht diese Heterogenität als Chance zu begreifen und allen Studierenden individuelle Schwerpunkte zu ermöglichen. So wurde auch das künstlerische Leitungspersonal so aufgestellt, dass es Erfahrung im Umgang mit Interdisziplinarität in den Künsten hat. Regisseur Iñigo Gíner Miranda ist beispielsweise Gründungsmitglied vom Ensemble DieOrdnungDerDinge, das den Raum zwischen musikalischen und theatralen Formen meist auf sehr spielerische und hochvisuelle Weise erforscht. Die verschiedenen künstlerischen Ansätze werden ergänzt durch die pädagogische sowie die wissenschaftliche Perspektive. Dadurch ergibt sich auch mit Blick auf die Lehr-Lernmethoden eine sehr große Vielfalt, die – frei nach dem Motto varietas delectat – zur Motivation und Konzentration der Lerngruppen beiträgt. So reichen die Lehrmethoden von dichten wissenschaftlichen Vorträgen über körperliche Übungen bis hin zu Lernspielen.Verzahnung von Forschung und Lehre: Bei der Entscheidung über das Sujet war das Anliegen der Lehrenden, auf eigene Forschungen zurückzugreifen und die eigenen – wissenschaftlichen und künstlerischen – Interessen einfließen zu lassen. Denn auch auf Lehrendenseite gilt die Regel, dass je höher die instrinsische Motivation ist, desto höher ist auch die Leistungsbereitschaft und sind folglich die Ergebnisse. So konnte aus einem großen Pool an Quellen und Erfahrungen geschöpft werden, die im Rahmen der Doktorarbeit (Jenseits der Konzertsäle. Klassische Musik für breite Bevölkerungsschichten in Berlin um 1900, Stuttgart 2023) bearbeitet sowie in vorangegangenen künstlerischen Projekten erworben wurden. Die Studierenden sollen methodisch und inhaltlich am Forschungsprozess teilhaben und Tools wie MaxQDA kennenlernen. Häufig gibt es an Kunstuniversitäten (sowohl von Seiten der Studierenden als auch von Kolleg*innen aus dem instrumentalen Bereich) eine gewisse Scheu vor wissenschaftlicher Forschung, da sie als Konkurrenz zum künstlerischen Schaffen wahrgenommen wird und Studierende die Sorge haben, als Künstler*innen nicht über ausreichende Kompetenzen zu verfügen. Mit diesem Vorurteil wird im Projekt aufgeräumt und die Studierenden werden ermutigt, selbst forschend tätig zu werden. Zwei der Kommiliton*innen fassen – möglicherweise auch durch die Erfahrungen im Projekt – nun selbst ein künstlerisch-wissenschaftliches Doktorat ins Auge.
5. Einbindung von professionellen Kooperationspartner*innen: Lehrende verfügen häufig über spezialisierte Expertisen. Wollen sie thematisch breite Projekte angehen, müssen sie externe Expertise hinzuzunehmen, wenn sie auf exzellentem Niveau arbeiten wollen. Um dies tun zu können, wurden für das Projekt von der Lehrenden Drittmittel eingeworben. Die Mittelakquise beim Call Vom Wissen der Vielen – Wissenschaftsvermittlung in Wien (2022) bei der Stadt Wien (MA7) wurde zu Beginn des Seminars auch thematisiert, da dies eine wichtige zukünftige Tätigkeit für die Studierenden sein wird. Das Expert*innen-Team ist vielfältig aufgestellt: (1) Iñigo Giner Miranda ist international erfolgreicher Konzertinszenierer/Komponist/Musiker und arbeitete u.a. für die Tonhalle Zürich und das Haus der Kulturen der Welt Berlin. Er ist als künstlerische Leitung umfangreich ins Projekt eingebunden, (2) Angela Ribera bringt als Szenographin/Kostümbildnerin ihre Kompetenzen ein und gibt sie im Workshop auch an Studierende/Schüler*innen weiter, (3) Gerhardt Ordnung (ehemaliger Leiter des Institut Film ABC Wien) und Fesih Alpagu (freier Filmemacher) begleiten das Projekt von medienpädagogischer Seite. (4) Miriam Schmid, Klassenvorstand der Projektklasse, ist selbst ausgebildete Tänzerin und bringt ihre Kompetenzen aus dem Bereich Schule in das Projekt ein. Darüber hinaus gibt es ein breites Netzwerk von Kooperationspartner*innen, die das Projekt inhaltlich unterstützen, vom Dschungel Wien über das Ludwig Boltzmann Institute for Digital History (Ingo Zechner) bis hin zum Institut für Wirtschafts- und Sozialgeschichte der Uni Wien (Dr. Karin Moser).
6. Digitales als Querschnittsthema: Die Covid19-Pandemie hat im künstlerischen Bereich sowohl die Grenzen als auch die Chancen digitaler Tools deutlich gemacht. Der Erfahrung nach konnten digitale Mittel immer dann fruchtbar eingesetzt werden, wenn sie nicht versuchten, den analogen Bereich zu ersetzen, sondern sinnvoll zu ergänzen. In diesem Sinne werden digitale Tools in allen Stufen des Projekts nutzbar gemacht und der digitale Raum aktiv mit bespielt: Während der Entwicklungsphase helfen Tools wie MIRO, digitale Clouds oder auch Onlinedatenbanken (z.B. ANNO Historische Zeitungen und Zeitschriften) bei der Generierung und Sortierung von Quellenmaterial. Kommunikationstools wie Zoom werden zur Überbrückung lokaler Distanzen (bspw. im künstlerischen Team) eingesetzt. Für die Show selbst werden diverse digitale Inhalte produziert (von Filmen über Projektionen bis hin zu Zuspielern). Die Bespielung des digitalen Raums zur Bewerbung und Begleitung der Produktion flankiert das Projekt über den gesamten Zeitraum. Auch bei der Evaluation werden digitale Tools genutzt (EvaSys).

Das Projekt selbst erstreckt sich über zwei Semester und gliedert sich in vier Phasen, die methodisch unterschiedlich aufgezogen sind:

1. Input und Recherche: Hier setzen sich die Studierenden mit gesellschaftlichen und politischen Parallelen zwischen den 1920er/2020er (z.B. Pandemien, Feminismus, Energiepolitik) auseinander. Sie befassen sich mit dem Musiktheater der Zwischenkriegszeit und lernen die Methoden des dokumentarischen Theaters kennen. Zentrale Lehr-Lernmethoden in dieser Phase sind u.a. Vorlesungen zur Wissensvermittlung, Recherchephasen und Archivarbeit in Kleingruppen mit Dokumentation in MIRO (Whiteboard), Einblicke in die Arbeit mit MaxQDA und Impulsreferate.
2. Planung und Durchführung der Schulworkshops und Konzerteinführungen: Kern dieser Phase ist die Konzeption und Durchführung von Workshops in der Schule. Hier teilen sich die Studierenden in thematische Schwerpunkte (Tanz, hist. Quellenarbeit, Bühne- und Kostüm, hist. Film) und planen konkrete Workshopinhalte. In der Folge leiten sie drei Workshoptage in der Schule und geben zusätzlich Konzerteinführungen in Schulen, die sich für die Vorstellungen angemeldet haben. Zentrale Lehr-Lernmethoden in dieser Phase sind u.a. Design-Thinking bzw. Rapid Prototyping zur Entwicklung von Ideen, Rollenspiele zur Vorbereitung auf die Schulworkshops, Gruppendiskussionen mit Seminarcharakter zu Prinzipien der Workshopgestaltung, Stationenworkshops (gemeinsam mit den Schüler:innen) und Arbeit in individuellen Kleingruppen.
3. Proben / Produktion / Aufführungen: Ziel dieser Phase ist die Entwicklung einer 60-minütigen Bühnenperformance im Cabaret-Stil sowie 5 Vorstellungen. Zentrale Lehr-Lernmethoden in dieser Phase sind u.a. klassische Probenarbeit mit wechselnden Leitungen, Körperarbeit unter der Leitung der Studierenden (z.B. Warm-ups vor den Vorstellungen), die selbstorganisierte, kollektive Übernahme von Verantwortung für Aufgaben vor und hinter der Bühne, individuelle Textarbeit für Programmheft und Onlinepräsenz und Dokumentation des Prozesses (digital und analog).
4. Evaluation und Reflexion: Ziel dieser Phase ist es, das Projekt und den Prozess zu reflektieren, zu evaluieren und zu dokumentieren. Dabei geht es um das künstlerische Ergebnis, die eigene Leistung und den Prozess mit den Schüler*innen. Zentrale Lehr-Lernmethode in dieser Phase sind u.a. diverse Feedbacktools für die Gruppe, Videoanalyse, moderierte Gruppendiskussionen sowie das Verfassen von Berichtelementen in Kleingruppen.